简洁的线条、疏朗的构图、巧思的细节，就是沈浩鹏始终坚持的设计审美。
采访/撰文：陈元 策划：Y.L. 部分图片提供：沈浩鹏 部分摄影：鲍靖
你可能不认识沈浩鹏，但如果你生活在上海的话，就一定见过沈浩鹏的设计作品。上海海洋水族馆、龙美术馆西岸馆、上海复星艺术中心，甚至魔都的最高楼上海中心……这些地标性建筑的标志，都出自沈浩鹏的设计公司。
沈浩鹏为复星集团设计的标志
2022年初，沈浩鹏为德国精密制表品牌朗格(A. Lange & Söhne)设计了虎年的标志元素，线条简约，而老虎的眉眼疏朗，藏匿在几个数字和元件之中，俊朗之余还有些可爱。
沈浩鹏为朗格创作的虎年标志元素
生于1959年的沈浩鹏，几乎是个全能的设计师。早年从美专毕业的他精通绘画技法，而在上海《青年报》任职的经历也让他很早就接触到写稿、设计和摄影。
沈浩鹏
恰逢上世纪90年代改革开放的好时机，沈浩鹏索性辞职开办了自己的设计公司。用他的话说来，那是个“样样都要自己来”的时代，“以前没有‘平面设计’这个概念，印刷、设计、制作都是一起的”。这让沈浩鹏接触到从设计到执行的方方面面，也为他后来在设计行业的全面发展打下了坚实的基础。
“设计嘛，就像是万金油。”采访快结束的时候，沈浩鹏笑着总结道，“什么都要看，什么都要学，才能做出好设计。”
其实，要总结各种标志的设计风格，不太容易。它们大都与商业项目相关，输出的内容受到很多限制，因而个人风格就会被稀释。但串联起沈浩鹏为几个地标性建筑设计的标志，就能发现其中的脉络：线条。
沈浩鹏为上海海洋水族馆和龙美术馆（西岸馆）设计的标志
最能体现这种线条感的，在沈浩鹏较早设计的上海美术馆和上海海洋水族馆的标志上能看出来。像毛笔一样的笔触很简洁，却让标志呈现出来很有张力。
在学习过传统绘画技法的沈浩鹏看来，中国艺术最重要的组成部分之一就是线条，所谓的“书画同源”，线的安排与设计就是支撑起画面的灵魂。“我最早有个情结，也是比较‘偏激’地想把中国的这种文化精神的东西放到设计中去。”沈浩鹏说，“但是后来，接触到不同的客户，要应对不同的属性，就知道不是所有设计项目都可以用毛笔线条去概括的。比如碰到带有AI这样未来科技的项目，就不能用这种设计方向。”
沈浩鹏一直在不断汲取新的灵感、扩充新的领域。在造访了他的工作室之后，更能深刻感受到其设计背后的执着与认真。沈浩鹏几乎对万事万物都有兴趣，比如打高尔夫、绘画、摄影，而这也为他的设计“万金油”提供了养料。
《上海的微风》
摄影很能体现他的特质。2019年他曾举办过一场个人摄影展，把设计的灵感沿用进去，构图是很重要的一部分。沈浩鹏说：“怎么把场景用好，去捕捉那一刻的感觉，这要有点设计感。”他翻开自己的摄影集《世界的魅影》，其中有不少上海的风景照，在多数是黑白的作品里，上海呈现出一股安静而优雅的气质。很多照片摄于外滩，摄于昔日法租界的街头巷尾，因为那种精巧和含蓄，翻看过程中甚至有几个瞬间会让人误以为摄影师置身欧洲。但沈浩鹏却笑着说，“我想在镜头里捕捉上海的气质。”即使是寻常人家在冬日用塑料袋套住以保温的植物，在他的黑白摄影里也能呈现出别样的优雅。沈浩鹏指着书中的一张照片与我分享道：“其实这是在一个别院，一把窗帘正好在两面墙的中间，一半是砖墙，一半是白墙，阳光照下来，它把画面很柔和地对称切分了。给人的感觉，既是结束也是开始。”
《同里》，银盐，2018
《无题》，银盐，2018
“设计对摄影的影响是’构成’。我的摄影是有构成的部分，和设计、绘画有关的部分，会影响我的摄影视角。”他对光影的捕捉和使用，越朦胧就越精准，越精准就越捕获人心。“摄影对我来说是个媒介和元素，是另一种方式来表达内心的想法。”
对沈浩鹏来说，设计是一切的“万金油”。“就是你什么都要懂，摄影，绘画，甚至是红酒、时装、钟表……不然碰到客户就会没有话题，没有内容可以输出。拓宽自己的认知视野很重要。”在他的工作室里，琳琅满目的设计类书籍塞满了一整面书架，还不够，整个客厅的开间，墙壁上也都是书。“做好设计不看书是不行的”，他说。近几年来，随着项目越来越多样化发展，沈浩鹏也在不断尝试和精进全方位的设计业务，比如VI和空间设计。“这个工作室就是这两年新装修的，是十多年来最为敞亮开放的设计。”通透的玻璃墙让阳光径直铺满整个空间，显得活跃而舒适，和沈浩鹏的设计一样，越来越开阔，越来越明朗。
沈浩鹏在他的工作室
Noblesse 对话 设计师沈浩鹏
此次为朗格设计的这款简洁而抽象的老虎形象，你能解读一下吗？
最初我们设计了好几稿，是以腕表内的元件拆分出来做的设计元素，比较缤纷多彩，和现在这个最终版不太一样。这个最终版本更加简洁，虽然也是腕表元素，字体是用朗格本身的设计字体组成的“2022”，总体上是个抽象的老虎。
你的设计最开始都是由线条组成的。线条为什么如此重要？
我觉得中国的艺术最重要的是“线条”，书法也是线条，中国画最早也是由线条组成的，随后才有泼墨、染色这样的技艺。所以说“书画同源”，中国这种穿插在笔墨之间的艺术很有意思。
你既是设计师，也是摄影师、艺术家、藏家，哪种身份更有吸引力？
让我说的话，我比较喜欢画画。设计总要兼顾客户、观众群，摄影又需要有机遇才能完整你自己的构图，但画画比较可以“随心所欲”。但是近几年来我又一直在想，应该怎么画，怎么衔接500年前的艺术和当代艺术之间的关系。
你认为怎样才是好的设计？在设计中如何平衡创意和商业？
真正的设计师能解决“大问题”，就是无论是什么样的客户、什么体量的内容，都可以操作。现在很多年轻设计师喜欢做“酷酷的”东西，但这很难突破，很难长久。其实设计师要不断去拓展自己的“面”，才有能力去面对“大问题”。比如作为男性设计师，也要关注时尚打扮，不然时装品牌的东西就设计不了；还有，要学会从公司战略的层面出发去思考，适合当下这个企业的愿景，以及它之后发展的方向。但是要以潜移默化的方式去改，虽然有时候很可能只是改几个字母，做几处微调。
这是不是一种天赋？
跟艺术有关的东西，多少都有点天赋。摄影也是，你一定要有这种敏感度。但这个敏感是可以积累的，除了天赋之外的积累，这个积累是方方面面的，到最后形成你的世界观，体现到你的作品里。